Драматический сюжет «Антител» построен вокруг истории о гибели Тимура Качаравы, студента философского факультета, музыканта, антифашиста и одного из лидеров общественного движения антифашистской направленности. Тимур был убит в центре Петербурга молодыми людьми, которые придерживались отличных от Тимура взглядов. Сюжетные ответвления задействуют всех напрямую и косвенно связанных свидетелей трагедии: мать убитого, мать убийцы, подругу Тимура, представителей группировок, антифашистов, бывших фашистов, следователя дела, а также охранника, ставшего прямым свидетелем убийства.

Режиссерская работа Михаила Патласова, надо признать, похвал заслуживает как минимум. Во-первых, хотелось бы отметить, что сильные напряженные драматические моменты удались: монологи матери Тимура и матери убийцы, убедительные роли антифашиста и бывшего фашиста не могут не заставить зрителя почувствовать всю остроту и горечь разыгравшейся драмы. Во-вторых, особое внимание уделяется обстановочной среде: казалось бы, простой белый интерьер и экран, на котором транслируются актерские крупные планы, но в целом они создают болезненную атмосферу, в которой выворачиваются наизнанку драма каждого человека.

Острая социальная проблема – склоки между людьми, придерживающихся различных взглядов – в начинке спектакля уже заранее делает его актуальным и интересным, однако особое значение в спектакле имеет история, образ жизни, мысли людей, оказавшихся по ту или иную сторону трагической судьбы Тимура.

Примечательно, что адаптированный для русской сцены текст перенес действующих лиц в самую на что ни есть родную местность, а точнее – в Подмосковное поместье. Сюжет, как и предполагалось, завязан на двух самых, пожалуй, актуальных социальных проблемах – социальное неравенство и борьба полов. Несмотря на время действия, заявленное в пьесе (канун Нового Года), никаких чудес и сказок о волшебном превращении ждать не приходится. «Фрекен Жюли» давит своим мрачным настроем, цинично парируя над несбыточностью желаний даже в канун, как казалось, любимого многими праздника.

Настрой создает и сама сцена, и, конечно, ситуативные и обстановочные элементы. Первое, что бросается в глаза – это черное обрамление сцены на котрасте с белым валящим снегом, являющиеся фоном для убранства авансцены – современная кухня, выполненная в стиле хай-тек. Именно на привычной для зрителя кухне и происходит действие пролога, уносящего зрителя в страшный мир отчаяния. Все, что помогает зрителю погрузиться в мир «Фрекен Жюли», создает ощущение обреченности, вопреки доносящейся из-за кулис веселой музыке. Кстати, вся пьеса построена на контрасте, что, в принципе, и неудивительно. Как же еще заставить зрителя ощутить всю остроту поставленных проблем?

Пьеса для своего жанра и своего зрителя, безусловно, хороша, однако она едва ли подойдет для культурного отдыха в предпраздничные дни.

Историческая справка

Датой основания Большого театра считается 20 марта 1776 года – именно тогда императрица Екатерина II подписала так называемую «привилегию», направленную на содержание различного рода увеселительных мероприятий (балы, маскарады, спектакли). Само здание Большого театра, являющее собой предмет гордости не только жителей Москвы, но и всей России, было открыто практически век спустя – 20 октября 1856 года. Открытие было приурочено к коронации Александра II.

Большой театр сегодня

Последние 9 лет (начиная с 2002 года) труппа Большого театра осуществляла свою деятельность на Новой сцене вследствие проведения масштабной реконструкции исторического здания. Торжественное открытие реконструированного исторического здания состоялось 28 октября 2011 года. Реконструкция оказала большое значение для позиционирования театра как символа русской культуры: были возрождены утраченные изыски исторического облика и, с другой стороны, были введены в оснащение множество современных технологий.

Большой театр и Россия

Реконструкция, о которой было упомянуто ранее, способствовала становлению театра в ряд достойнейших мировых зданий культуры. Большой театр в России, как культурное явление сегодняшнего дня, по-прежнему значим и величественен. Вклад театра в историю искусства огромен; его образ венчает культурное наследие страны.

Считаете ли вы, что сегодняшний Большой театр по-прежнему является символом культурной жизни страны? Оставит ли сегодняшний Большой театр свой вклад в истории искусства?

Станиславский бы сказал: не верю!

Легендарная фраза русского режиссера укоренилась не только в умах деятелей искусства, но и в бытовой сфере. Сам Станиславский употреблял данную фразу по отношению к актерам, игра которых его не устраивала. На сегодняшний день нет единой трактовки легендарной «Не верю!»: некоторые критики предполагают, что Константину Сергеевичу претила неестественность, излишняя патетика. Оппозиция утверждает, что Станиславский выступал против именно натурализма, требуя от актеров вжиться в роль максимально, увидеть мир глазами персонажа.

На мой взгляд, вторая точка зрения имеет под собой наиболее реальные основания, поскольку успех игры актера зависит исключительно от впечатлений аудитории, перед которой он играет. Если зритель сопереживает персонажу, восхищается им, ненавидит его и т.д., значит, актерская игра достойна самых хвалебных отзывов. Если же зритель «не верит», значит, актеру так и не удалось воплотить образ персонажа в реальность, дать ему речь, чувства и эмоции.

Актеры, которым посчастливилось работать с Константином Сергеевичем, боялись фразы «Не верю!» как огня, однако сам Станиславский не считал свою реплику выдающейся,  заявляя, что он произносит ее исключительно с позиции зрителя.

Со временем фраза «Не верю!» стала частью культурного наследия: М. Дурнеков сочинил одноименную пьесу, и по сей день приз «Верю. Константин Станиславский» вручается на ММКФ.

Как вы считаете, не переоценена ли роль фразы «Не верю!» в жизни театра и кино? Употребляется ли фраза в бытовой сфере в другом значении, отличном от трактовки в театральном мире?